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SUSCRIBITEIgnacio Pol, encargado de supervisar los efectos visuales y la producción virtual de la serie, se refirió a los desafíos técnicos y logísticos que enfrentaron.
Cómo se crearon los emblemáticos cascarudos de El Eternauta.
“Todo fue un trabajo colectivo, eso es lo que más queríamos que se entienda desde la producción”, subraya Ignacio Pol, supervisor de efectos visuales y producción virtual de la tan anticipada versión de El Eternauta, que llegó a Netflix. Su declaración no es simplemente un comentario técnico; representa una declaración que recorre toda la serie.
Sus palabras reflejan el espíritu colaborativo que la obra original de Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López logró instaurar. Pol relata con detalle y entusiasmo cada etapa del trabajo que implicó desarrollar los efectos visuales para una de las propuestas más desafiantes y de gran envergadura dentro del panorama audiovisual argentino contemporáneo.
“Esto fue literalmente el esfuerzo de muchos equipos, incluso de estudios que eran competencia y que se unieron para este proyecto”, remarca. Sin embargo, el recorrido estuvo lejos de ser fácil: se enfrentaron a obstáculos logísticos que requirieron colaboración externa y a retos técnicos que llevaron al máximo las capacidades nacionales. Cada integrante del equipo funcionó como un engranaje esencial dentro de una maquinaria de precisión milimétrica.
Entre los aspectos más sobresalientes de la versión televisiva de El Eternauta se destaca la concepción y desarrollo de los temidos “cascarudos”, esas figuras monstruosas tan representativas del cómic original. Ignacio Pol detalla cómo nació su diseño, quiénes se involucraron en el proceso y de qué manera se ejecutó tanto desde el plano creativo como desde el técnico para materializarlos en pantalla.
El experto indicó que el diseño original de los temidos “cascarudos”, criaturas emblemáticas de El Eternauta, fue obra del escultor y artista plástico Martín Canale. A partir de sus bocetos iniciales, el equipo de producción continuó desarrollando visualmente a estos seres, adaptándolos al lenguaje de la serie.
A su vez, señaló que la producción contó con la colaboración de estudios internacionales de renombre. Entre ellos, Industrial Light & Magic —conocidos por su trabajo en Star Wars— participó en la creación de concepts visuales tanto para los cascarudos como para escenas clave, como la llegada al puente Saavedra. Esos concepts fueron luego transformados en planos tridimensionales por el equipo local.
Por otra parte, resaltó que en la etapa técnica participaron varios estudios. Many Worlds realizó pruebas de animación, mientras que Beat trabajó en algunos planos específicos. El mayor volumen de trabajo recayó sobre Refine, un estudio internacional que reunió a artistas de distintas partes del mundo para llevar adelante el proceso de postproducción.
La dirección artística del proyecto estuvo a cargo de Bruno Stagnaro y María Battaglia, quienes guiaron el desarrollo de los personajes y definieron cómo debían integrarse visualmente en la narrativa, marcando el estilo estético general.
En términos de rodaje, la interacción de los actores con los cascarudos fue mínima. Solo una escena —con Ricardo Darín y el personaje de Troncoso dentro de un automóvil— incluyó una criatura en tiempo real para facilitar la reacción actoral. El resto de las apariciones de los cascarudos fueron incorporadas en la etapa de postproducción, lo que implicó que prácticamente el 99,9% de su presencia en pantalla fue digital.
En cuanto a la fidelidad al diseño de Francisco Solano López, la adaptación mantuvo la esencia de los cascarudos originales, aunque con un enfoque más actualizado. Durante la producción, el equipo se refería a ellos informalmente como “los bichos”, denominación que también emplean los personajes dentro de la serie.
Las temibles criaturas conocidas como cascarudos jamás estuvieron físicamente en el set de grabación. Su presencia fue el resultado de una labor cuidadosamente organizada durante la fase de postproducción, en la que técnicos expertos dieron vida a cada uno de estos entes a través de tecnología de efectos digitales. La tarea implicó construir modelos virtuales con estructuras biológicas, diseñadas para reflejar tanto el aspecto como el comportamiento imaginado en el desarrollo del guion.
Si bien los monstruos no estaban presentes de manera tangible durante el rodaje, los actores no actuaron en completa soledad. Para facilitar interpretaciones convincentes y sincronizadas, se recurrió a un recurso fundamental: dobles de acción que funcionaron como guía visual. Estos profesionales, vestidos con trajes de color azul croma, replicaban el desplazamiento de los insectos caminando en cuatro extremidades. Gracias a este método, los protagonistas podían medir mejor las distancias, coordinar sus desplazamientos y generar vínculos más verosímiles con los elementos ficticios.
El experto señaló que contar con un objeto concreto en escena facilitaba que los intérpretes pudieran asimilar, tanto a nivel visual como emocional, la existencia de las criaturas en el entorno ficticio. “Era esencial que pudieran mirar un punto real, calcular tiempos y reaccionar de forma convincente”, expresó.
Una vez finalizadas las jornadas de grabación, se dio inicio a la compleja fase de posproducción. Durante este proceso, los atuendos azul croma que llevaban los dobles de acción —pensados para ser removidos con facilidad— fueron eliminados mediante procedimientos sofisticados de edición digital. En su lugar, se insertaron modelos virtuales creados por computadora, diseñados para imitar con precisión el desplazamiento, la escala y los rasgos requeridos por la historia.
La técnica del croma, ampliamente utilizada en proyectos con alta carga de efectos digitales, resultó fundamental en esta instancia. Gracias a estos trajes diseñados para ser borrados e intervenidos en forma digital, fue posible generar una integración visual armoniosa entre lo que se filmó durante las escenas y los componentes digitales que se sumaron más adelante en la etapa de edición.
Llevar a la pantalla una obra como El Eternauta no solo implica una gran fidelidad conceptual, sino también un esfuerzo técnico y logístico de proporciones inéditas para la industria audiovisual local.
La serie exigió una carga de efectos visuales mayor a la prevista inicialmente, lo que obligó a ampliar el equipo de posproducción incorporando estudios internacionales. La decisión de recurrir a compañías del exterior respondió a una combinación de factores: tiempos de entrega ajustados, limitaciones presupuestarias y la necesidad de mantener un alto estándar técnico.
El encargado de coordinar esta distribución de tareas fue Ezequiel Rossi, supervisor de posproducción de la serie, quien definió qué estudio se haría cargo de cada plano. Mientras tanto, los principales estudios argentinos del rubro, como Control Estudio y M. Mouse, ya estaban completamente abocados al proyecto y trabajaban al máximo de su capacidad, incluso reforzando sus equipos para cumplir con los plazos.
Otro motivo que influyó fue la compatibilidad tecnológica: algunos estudios locales no podían adaptarse al flujo de trabajo implementado, que incluía herramientas innovadoras no disponibles o poco utilizadas en el país. Así, la participación de equipos internacionales no solo fue una solución práctica, sino también una estrategia clave para alcanzar la calidad visual que demandaba la serie.
Ignacio Pol fue una pieza central en el armado de los efectos visuales de El Eternauta como Supervisor de efectos visuales y Supervisor de Virtual Production.
La supervisión de los efectos visuales de la serie fue una tarea integral y exigente. El responsable principal no solo controló el trabajo de un estudio, sino que estuvo en contacto permanente con cada uno de los equipos involucrados, tanto locales como internacionales. Junto a Bruno Stagnaro, director de la serie, evaluaron uno por uno los más de 2000 planos generados desde distintas partes del mundo, en un proceso que combinó coordinación técnica y decisiones artísticas de alta complejidad.
La relación entre el supervisor y el director fue estrecha y colaborativa. Durante dos años trabajaron codo a codo, con un intercambio constante que permitió traducir las ideas visuales de Stagnaro en soluciones técnicas concretas. Si bien el director tenía una visión clara de lo que buscaba, necesitó del conocimiento especializado del supervisor para materializarla.
El proyecto también implicó la incorporación de tecnologías poco habituales en el ámbito nacional. Se utilizaron herramientas recientes que requerían una etapa de pruebas e investigación previa, mucho de la cual se desarrolló durante el período de pandemia. Esta exploración tecnológica fue clave para alcanzar el nivel visual que la serie proponía desde su concepción.
Para muchos de los profesionales que trabajaron en la adaptación de El Eternauta, el proyecto no fue solo un trabajo más, sino la realización de un sueño personal. Ignacio Pol recuerda cómo conoció la historieta, qué significó para él y por qué su generación parece especialmente atravesada por esta obra.
Desde su adolescencia, el entrevistado desarrolló una profunda conexión con El Eternauta. Su primer encuentro con la historieta ocurrió a los 13 años, cuando su madre se la compró en la librería Cúspide, tras una salida al cine. La obra fue un descubrimiento inmediato y, según cuenta, la devoró en cuanto llegó a casa. Ese primer contacto con la historia se convirtió en el punto de partida para su futura carrera en cine y efectos visuales.
La obra dejó una huella tan significativa que, al recordarlo, el entrevistado confiesa que fue el momento que definió su vocación. Aunque ya tenía una fascinación por los efectos visuales, influenciado por películas como Matrix, El Eternauta le dio una claridad inquebrantable sobre lo que quería hacer con su vida: estudiar cine y adaptar esta emblemática historia.
Para él, la relación con El Eternauta no es algo único. De hecho, cree que muchos de los de su generación, especialmente aquellos en la franja de los treinta y pico, comparten una vivencia similar. Muchos llegaron a la historieta a través de sus padres, algo que sigue siendo un nexo de conexión generacional.
A nivel conceptual, el mensaje de la obra lo impactó profundamente. Destaca la importancia de la colectividad y la comunidad, un mensaje que buscaron reflejar al máximo en la serie. Este enfoque se convirtió en un principio fundamental para todo el equipo, que lo consideró crucial en el desarrollo del proyecto.
Al ver el resultado final de la serie, el entrevistado no pudo más que sentir admiración por el trabajo del equipo. En particular, el capítulo final lo dejó sin palabras, sintiendo que se había cumplido un sueño. Para él, el éxito de este proyecto representa un logro personal y profesional, una culminación a la que se entregó por completo.
Cuando se le pregunta si alguna vez se imaginó trabajando en El Eternauta, Ignacio Pol no puede evitar sonreír. "Con mis compañeros de cine, en los primeros días de cursada, ya hablábamos de que queríamos hacer esta película", rememora Pol.
Lo que comenzó como un sueño compartido entre jóvenes apasionados por el cine terminó transformándose en una de las producciones más grandes y desafiantes del país. Fue durante la pandemia, cuando se encontraban en pleno confinamiento, realizando pruebas de realidad aumentada desde sus hogares, que esa fantasía comenzó a tomar forma real: “Estábamos experimentando con criaturas en escenarios virtuales desde nuestros celulares. Nunca imaginamos que eso nos iba a llevar a trabajar con Bruno Stagnaro en esta serie".
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