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SUSCRIBITE El medio resalta la presencia de propuestas variadas y de múltiples orígenes en las coproducciones. El uno por uno de las mejores películas.
Una vez más, Time elaboró su listado con los diez películas más destacadas de 2025.
Una vez más, Time elaboró su listado con los diez películas más destacadas de 2025. Se trata de un período atravesado por producciones que van desde comedias ligeras hasta relatos basados en hechos del pasado, incluyendo trabajos que funcionan como tributos al propio mundo del cine y a quienes lo conforman.
La publicación norteamericana ubicó dos obras de Richard Linklater —creador de Before Sunrise (1995)— entre las tres primeras posiciones de su selección. Además, destaca figuras de peso como el oficial francés Alfred Dreyfus, el compositor de letras Lorenz Hart, el fotógrafo Peter Hujar y el propio Jean-Luc Godard, referente clave del cine francés.
La revista Time también resalta la presencia de propuestas variadas y de múltiples orígenes en las coproducciones que integran su selección. Producciones surgidas de alianzas danesas y noruegas, españolas y argentinas, además de títulos franceses y norteamericanos, aparecen entre las preferencias de los especialistas.
Asimismo, la comedia, el cine de miedo y los relatos dramáticos dominan el listado de las diez elegidas, ofreciendo miradas sobre el mundo contemporáneo y sus tensiones, ya sea recurriendo o no a enfoques retrospectivos.
Dentro de las menciones especiales, Time resaltó una serie de producciones entre las que figuran The Secret Agent, dirigida por Kleber Mendonça Filho; One Battle After Another, de Paul Thomas Anderson; y Sanatorium Under the Sign of the Hourglass, realizada por Stephen y Timothy Quay.
También aparecen Die My Love, de Lynne Ramsay; Orwell: 2+2=5, firmada por Raoul Peck; Souleymane’s Story, de Boris Lojkine; Train Dreams, de Clint Bentley; Urchin, de Harris Dickinson; Father Mother Sister Brother, de Jim Jarmusch; y Highest 2 Lowest, de Spike Lee.
Dentro de las producciones mejor valoradas —ubicada en el décimo puesto— aparece One of Them Days, una película dirigida por Lawrence Lamont y guionada por Syreeta Singleton. Esta historia humorística sigue a Keke Palmer y a la artista SZA, quienes encarnan a dos amigas que viven en Los Ángeles y que, a lo largo de una sola jornada, deben conseguir 1.500 dólares para afrontar el pago del alquiler de su pequeño departamento.
Las maniobras desesperadas que emprenden —desde donar sangre a cambio de dinero hasta revolver un contenedor de caridad en busca de algo útil— terminan generando una cadena de situaciones tan desastrosas como divertidas. Incluso cuando creen tener una salida al hallar unas Air Jordan antiguas para vender, todo se enreda todavía más.
Pese a ese cúmulo de tropiezos, el film logra funcionar como una mirada social esperanzadora, transformándose en uno de esos relatos que, tal como remarca Time, “milagrosamente te hacen sentir mejor con todo”.
Kill the Jockey, dirigida por el argentino Luis Ortega, se sumerge en un mundo de surrealismo mezclado con elementos de cine negro contemporáneo. Su personaje central, Remo (interpretado por Nahuel Pérez Biscayart), es un jinete con problemas de alcohol que, después de sufrir un accidente devastador durante una carrera, se ve obligado a desaparecer. Al recuperar la conciencia sin recordar nada, decide asumir el nombre y la vida de Dolores, una mujer en la que, quizá, siempre imaginó transformarse.
Esta producción conjunta entre España y Argentina, que remite a la irreverencia de Buñuel y a los primeros filmes de Almodóvar, sobresale por su juego erótico y por un estilo visual contundente, según subrayó Time. El reparto se completa con una brillante participación de la intérprete española Úrsula Corberó.
En sintonía con otras obras de Ortega, como El Ángel (2018), varios especialistas encuentran paralelos entre su estilo y el del cineasta finlandés Aki Kaurismäki, marcado por una estética sobria y una sensibilidad nostálgica. Tanto en aquel film como en el que se estrenó en 2025, los protagonistas nacen de figuras existentes fuera de la ficción.
En esta oportunidad, fueron las fantasías y desvaríos de un hombre sin hogar de Buenos Aires los que motivaron a Ortega a crear Kill the Jockey, una historia que explora la construcción de la identidad, el límite entre lo real y lo imaginado, y “lo milagroso de la vida”.
La galería de vidas a la deriva sigue presente en la selección de Time con The Mastermind, la película de Kelly Reichardt, situada en el Massachusetts de los años setenta y construida sobre el descenso del sueño americano como escenario. Su figura central, J.B. (interpretado por Josh O’Connor), es un saqueador de obras de arte que, aun habiendo contado con todas las oportunidades, atraviesa un profundo desconcierto.
Después de dejar tirada su formación artística, toma la decisión de sustraer cuatro pinturas de enorme valor, intentando explicar —y casi legitimar— su conducta frente a su esposa (Alana Haim).
A diferencia de los clásicos relatos de robos en pantalla, esta historia pone el foco en los motivos que llevan al protagonista a tomar las pinturas y en las repercusiones que ese acto desencadena. La actuación de O’Connor en esta inusual cinta de golpes y hurtos sostiene el relato y consigue que el público se conecte emocionalmente con alguien cuyas decisiones resultan difíciles de justificar.
Este año, el Festival de Venecia reconoció la obra de Reichardt con la Espiga de Oro “ex aequo”, compartida con Magallanes, una coproducción española dirigida por Lav Diaz.
El retorno a las raíces y el deseo de encontrar una forma de reparación personal definen la atmósfera de Sinners, la película de Ryan Coogler. En ella, Michael B. Jordan interpreta a los hermanos gemelos Smoke y Stack, quienes, después de sobrevivir a la Primera Guerra Mundial, regresan al pequeño pueblo del que provienen, ubicado en el delta del Misisipi. Su plan es levantar un club de blues, pero la apertura del local se complica con la irrupción inesperada de tres músicos blancos.
Con una mezcla de crítica social y elementos de horror, el film se sitúa en 1932, un período atravesado por el régimen de segregación racial y la violencia del Ku Klux Klan en los Estados Unidos.
El racismo se manifiesta aquí mediante vampiros que intentan atacar a los dos hermanos. Proveniente del realizador de Black Panther (2018) y Creed (2015), la película indaga en la capacidad de la música para unir o fracturar a las personas, y deja una sensación de nostalgia por una libertad y una alegría que, cien años después, parecen haberse vuelto imposibles de alcanzar.
La crisis de la identidad masculina dentro de la cultura estadounidense funciona como columna vertebral de Roofman, la comedia romántica de Derek Cianfrance que ocupa el quinto puesto en el ranking de Time sobre las mejores producciones cinematográficas de 2025.
Inspirada en una historia verídica, Channing Tatum se pone en la piel de Jeffrey Manchester, un ex ladrón que, tras lograr fugarse de la cárcel, decide rehacer su vida. En ese nuevo rumbo encuentra una compañera afectiva (interpretada por Kirsten Dunst) y un entorno familiar que lo acoge.
Manchester se hizo conocido por cometer más de 45 robos a locales de McDonald’s, ingresando por un orificio que él mismo abría en los techos de los establecimientos.
Sin embargo, el film también reflexiona sobre el deseo masculino de encontrar estabilidad y lo difícil que puede resultar alcanzar objetivos que antes parecían totalmente posibles, según detalla Time. Proveniente del realizador de Blue Valentine (2010) y The Place Beyond the Pines (2012), esta nueva propuesta mezcla momentos emotivos con toques de comedia de manera equilibrada.
La sensibilidad artística y la poesía de lo cotidiano convergen en Peter Hujar’s Day, la nueva propuesta de Ira Sachs. La película se construye a partir de una entrevista real realizada en 1974 por la escritora Linda Rosenkrantz (encarnada por Rebecca Hall) al fotógrafo Peter Hujar (Ben Whishaw), figura emblemática entre las personas afectadas por el sida y fallecido posteriormente a causa de una neumonía vinculada a la enfermedad.
El largometraje recrea una jornada completa en la existencia de Hujar —tal como anticipa su título—, pero lo hace desde una mirada cercana y profundamente personal. A lo largo de sus 76 minutos, la película medita sobre cómo nacen las obras de arte, iluminando instantes aparentemente insignificantes de la rutina diaria.
El cineasta estadounidense, que suele centrarse en personajes masculinos homosexuales, firma también el guion de esta producción, así como hizo en Passages (2023) y Love Is Strange (2014).
Las cargas familiares y el impacto afectivo que deja la crianza son el eje de la nueva coproducción entre Dinamarca y Noruega dirigida por Joachim Trier, titulada Sentimental Value.
En esta historia, Renate Reinsve —rostro habitual en la filmografía del director— y Inga Ibsdotter Lilleaas encarnan a dos hermanas que, tras el fallecimiento de su madre, se ven obligadas a retomar el vínculo con su padre, un realizador cinematográfico interpretado por Stellan Skarsgård, con quien mantienen una relación marcada por la distancia emocional.
El film propone una mirada sobre la casa familiar como espacio de resguardo y sobre el valor de los vínculos afectivos por encima de cualquier posesión material. Con Elle Fanning sumándose al reparto, Trier vuelve a apostar por un estilo introspectivo, centrado en las pequeñas escenas de la vida diaria y, en esta ocasión, también en el propio mundo del cine.
Galardonada con el Premio del Jurado en Cannes, la crítica ha señalado que las películas de Joachim Trier —que suelen despertar admiración y rechazo en igual medida— guardan ciertos ecos del universo creativo de Ingmar Bergman.
El tercer puesto del listado elaborado por Time lo ocupa Blue Moon, dirigida por Richard Linklater, quien este año sorprendió con dos producciones especialmente aclamadas. En este film, Ethan Hawke interpreta a Lorenz Hart, el célebre letrista que conformó un dúo creativo junto a Richard Rodgers (encarnado por Andrew Scott).
Además, la película marca un nuevo reencuentro artístico entre Linklater y Hawke, retomando una colaboración que dejó huella en toda una generación gracias a la trilogía de Céline y Jesse: Before Sunrise (1995), Before Sunset (2004) y Before Midnight (2013).
La historia se desarrolla a lo largo de una única noche, inmediatamente después del éxito del musical Oklahoma! y de la separación laboral entre Hart y Rodgers. Según destacó la publicación estadounidense, el film construye un retrato agudo y cargado de nostalgia sobre uno de los grandes autores de letras del siglo XX.
Asimismo, explora de manera directa el frágil estado emocional del personaje interpretado por Hawke y su dependencia del alcohol. Con Margaret Qualley en un rol central, la obra ya suena como una firme candidata a los próximos premios Oscar.
El cine de época también encuentra su lugar gracias a la más reciente producción de Roman Polanski, An Officer and a Spy, que revisita el célebre caso Dreyfus. En esta historia, Jean Dujardin da vida al coronel Marie-Georges Picquart, el militar que se empeñó en demostrar la inocencia del capitán Alfred Dreyfus (interpretado por Louis Garrel), acusado de espionaje sin pruebas reales.
La película incorpora además figuras clave del período, como el escritor Émile Zola, quien fue perseguido judicialmente tras publicar su recordado artículo en defensa del capitán, J’accuse, título original del largometraje.
Aunque debutó en el Festival de Venecia en 2019, el film desembarcó este año en Estados Unidos, donde el caso Dreyfus vuelve a resonar por su asombrosa actualidad, atravesada por lo que hoy se conoce como noticias falsas.
Para cerrar, y ocupando el primer lugar del ranking elaborado por Time, aparece un tributo al cine francés titulado Nouvelle Vague. Bajo la dirección de Richard Linklater, el film reconstruye el proceso de filmación de Al final de la escapada (Jean-Luc Godard, 1966), situándose en el París de comienzos de los años sesenta.
En esta propuesta, Guillaume Marbeck encarna a Jean-Luc Godard, acompañado por Zoey Deutch y Aubry Dullin, en una obra que celebra la creación artística y la sensibilidad estética como impulsos esenciales. Con un tono desenfadado y un enfoque liviano, Nouvelle Vague también revisita el debut cinematográfico del realizador franco-suizo, rindiendo tributo a una época en la que la industria redefinió por completo el concepto de cine de autor.
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